Ilya ed Emilia Kabakov hanno realizzato cinque disegni per la serie Afterlife. Ogni libro, concepito alla maniera dei portfolio d’artista, include un disegno originale e un libretto dove sono riprodotti in offset le immagini dei rimanenti quattro disegni. Il libro invita a immaginarsi l’irraggiungibilità di un vuoto, mostrando delle figure in transito, da un lato all’altro, quasi passassero dalla nascita alla morte.

Questa edizione include due libri e un disco in vinile. Il primo libro contiene lo scambio di email relativo al lungo processo di creazione del disco, mentre il secondo funziona come appendice – un insieme di allegati (diagrammi, rendering, riferimenti audio) e immagini delle fasi di test di incisione del disco, insieme a materiale d’archivio ricavato dallo studio dell’artista.

Mariko Mori ha riflettuto per anni sul tema dell’afterlife. La collezione di 46 disegni presentati all’interno di questa edizione sono stati creati a Okinawa, Giappone, nel corso di quattordici anni. La tiratura ha un significato simbolico per l’artista, e si ispira alle 33 trasformazioni compiute da Bodhisattvas per ottenere la salvezza. 13 copie di The Soul Never Dies includono un disegno originale di Mariko Mori.

Questo libro coniuga due diversi immaginari. Da una parte i disegni di Kiki Smith tratti dalla sua serie di collage The Vision Hour, mentre dall’altra le fotografie di Seton Smith scattate a Hangzhou e all’interno del Pedder Building di Hong Kong. Pagina dopo pagina, si è messi di fronte a due stati d’animo contrapposti: si parte dalla meraviglia della natura per poi scivolare verso una serie di spazi chiusi. Il libro suggerisce così antiche dicotomie, come inferno e paradiso, corpo e anima, decomposizione e nascita.

Le formazioni delle radici di un albero irrompono fratturando una parte di marciapiedi. La rete organica evoca la capacità di resistenza della natura contro le ingiustizie della cultura.

La giustizia auto-amministrata è una tecnica psicoanalitica adleriana che, in senso figurato, prevede di sputare nella zuppa dell’analizzato; un metodo che schiaccia l’illusione di un paziente esponendone le motivazioni sottostanti.

L’artista ha diviso una banconota da 500€ in 50 parti uguali, dimostrando così che il denaro, se non può essere distribuito, è inutile. Se da una parte un valore è nullificato, l’artista ne crea però un altro.

L’immagine, riferendosi al movimento stridente della bandiera nera e rossa, indica che la giustizia può essere soltanto immaginata da un punto di vista anarchico.

Un memoir lirico e contemplativo sull’infanzia, l’eredità e la perdita. Carol Mavor coniuga sapientemente gli incontri con le opere di Piero della Francesca e Brueghel, Goya e Mann, con un’immersione sinestetica nella memoria prelinguistica. Uno sguardo accademico, e al contempo intimo, verso il dolore e la riparazione, l’immaginazione e il perdono, raccontato da una delle più interessanti saggiste contemporanee. Carol Mavor insegna Storia dell’Arte e Cultura Visuale presso l’Università di Manchester. I suoi libri includono Blue Mythologies: Reflections on a Colour, Aurelia: Art and Literature through the Mouth of the Fairy Tale e Black and Blue: The Bruising Passion of Camera Lucida, La Jetée, Sans Soleil and Hiroshima Mon Amour.

Le riflessioni di Andrew Ross sulla sua esperienza di coniugare l’attivismo con la scrittura offrono una guida su come adempiere agli obblighi politici e cogliere le opportunità quando si presentano eventi di importanza storica. Non abbiamo la possibilità di scegliere il tempo in cui viviamo, né le condizioni che determinano il nostro agire. Quali sono le nostre responsabilità nei confronti del mondo che ci è stato dato, non solo per interpretarlo e capirlo, ma anche per cambiarlo? Come possiamo guardare al passato quale fonte di ispirazione rimanendo capaci di reagire alle impellenti richieste del presente? Ross è Professore di Analisi Sociale e Culturale presso la New York University e attivista sociale. È autore e curatore di più di venti libri, tra cui Stone Men: The Palestinians Who Built Israel, Creditocracy and the Case for Debt Refusal e Nice Work if You Get It: Life and Labor in Precarious Times.

Il racconto è ambientato tra l’Africa e l’Europa, dove i luoghi non si identificano mai fino in fondo. Ispirandosi a un’opera dell’artista keniana Wangechi Mutu, Ali Farah narra di un mondo dai forti connotati simbolici, fatto di guerre, zoo umani, marinai, animali e vedette. Un mondo che ruota attorno alla storia di Shaqlan, la guerriera, una donna segnata fin dalla nascita da un destino fatto di lotte e fughe, ma anche di fedeltà e coraggio.

In questo libro Vincenzo Latronico parla di Albert Speer, l’architetto nazista, a cui l’artista belga Luc Tuymans ha dedicato vari ritratti. Analizzando le memorie di Speer e i romanzi di Ayn Rand, l’autore cerca di mettere a fuoco il mito modernista dell’artista-vate, incarnato da Speer. Il testo diviene così un tentativo di rispondere alla domanda: che cosa significa essere un uomo “speciale” e che cosa, invece, essere un uomo “qualsiasi”?

Claire-Louise Bennett esplora i ritratti surrealisti di Dorothea Tanning. La casuale visita di una mostra di sue opere a Madrid rivela un’affinità tra l’artista e l’autrice. Alternando la reverie di momenti autobiografici con evocazioni di dipinti di Tanning, Bennett esplora l’insorgere di ribelli mondi interiori e della creatività stessa, che accumunano entrambe le loro infanzie.

Will Ashon volge il suo sguardo al ritratto di David Hockney “My Mother, Bolton Abbey”. L’immagine in questione è un photo-collage di Laura Hockney, realizzato nel 1982. Ashon crea a sua volta un collage, intervistando dieci donne di età diverse e ricomponendo le loro risposte; il risultato è un testo corale nonché un omaggio ai pensieri e alle memorie che nascono quando rivolgiamo la nostra attenzione a un’opera d’arte.